Roy Lichtenstein Crying Girl Chica llorando Arte Pop

Arte Pop

🎨 ¿Qué es el Arte Pop?

El Arte Pop surgió en los años cincuenta como reacción al Expresionismo Abstracto para desviar el foco de atención del artista desde su propio interior hacia la cultura de masas y sus imágenes. El artista pop ya no expresaba su angustia vital a través de brochazos expresivos y violentos, como había hecho el expresionista, sino que se adentraba en un nuevo lenguaje artístico cuyas imágenes sacaba directamente de la realidad y de los iconos de la cultura popular.

En este proceso, los artistas elevaron a las alturas del gran arte las imágenes populares, acercándose así a un público mucho más amplio que abrazó la nueva tendencia con un inusitado interés que hasta entonces solo había estado reservado a los conocedores y especialistas en arte. No solo las imágenes y los procedimientos se popularizaron sino también la misma obra de arte se bajó de su pedestal y se acercó al hombre de la calle. El Arte Pop, al retratar el entorno y la mentalidad del consumidor, fue bien aceptado por el público y alcanzó un éxito comercial extraordinario, haciendo que muchos de los artistas que lo crearon se establecieran y enriquecieran en un lapso de tiempo bastante breve.  

Si las imágenes que el artista pop introducía en sus obras ya estaban hechas por la publicidad o por los medios de comunicación de masas, los procedimientos, o técnicas empleados también eran industriales y readymade.

Técnicas de impresión mecánica, serigrafías, fotomontajes, collage, assemblages y la introducción de objetos reales en las obras vinieron a sustituir a los brochazos, las pinceladas y con ello a la maestría que empezó a ser relegada en favor de nuevos desarrollos técnicos en los que el artista ya no era un maestro que creaba piezas únicas sino un productor que se servía de las máquinas, al igual que lo hacía todo el resto de la sociedad, y creaba obras en serie, que podían ser reproducidas una y otra vez: “La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina…creo que sería estupendo que todo el mundo fuera igual”. (Andy Warhol)

Andy Warhol arte pop
Andy Warhol en el estudio

En realidad, el Arte Pop fue más que un movimiento artístico, porque fue posible gracias a un estilo de vida pop que se desarrolló en la sociedad urbana (surgió en Londres y Nueva York) posterior a la segunda guerra mundial, definida por una nueva prosperidad y por el empleo de las máquinas en todos los aspectos de la vida cotidiana. Aspiradoras, lavadoras, teléfonos, televisores, tostadoras, coches, imprentas, pasaron a formar parte del paisaje urbano y el arte pop vino a cristalizar ese fenómeno social casi como si fuera un subproducto accidental de aquel nuevo estilo de vida.

Por eso el Arte Pop acercó el arte a la vida de un modo que ningún otro lenguaje artístico había conseguido hacer, superando a los primeros intentos en esta dirección de Marcel Duchamp y el Dadaísmo, muy anteriores y considerados los precursores del Arte Pop de los cincuenta. 

El Arte Pop no es un estilo artístico unificado; es la manifestación artística de la cultura pop y al igual que esta, es consumible, efímero, popular, barato, producido en serie, joven, artificioso y un buen negocio, tal y como lo definió uno de sus creadores, el artista británico Richard Hamilton. 

Veamos 4 obras de Arte Pop que cambiaron la función del arte y del artista en la sociedad moderna. Como veréis, el arte pop se originó en Londres y más tarde se desarrolló en Nueva York. 

✨ Arte Pop: 4 obras maestras que definieron el movimiento ✨

ᐅ ¿Pero qué hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?
 🔹 Richard Hamilton 🔹 Collage sobre papel, 26x25cm 🔹 1956

Richard Hamilton ¿Pero qué hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos? arte pop
¿Pero qué hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos? (Kunsthalle, Tübingen)

Generalmente aceptada como la primera obra de Arte Pop que vio la luz en Gran Bretaña, esta obra fue realizada para la exposición titulada “Esto es el mañana” que tuvo lugar en la Whitechapel Art Gallery de Londres en 1956. 

El pop británico fue un movimiento culto y altamente consciente de sus objetivos y motivaciones. Richard Hamilton fue un gran especialista del dadaísmo y de la obra de Marcel Duchamp e hizo una reconstrucción del Gran Vidrio para la gran retrospectiva de este último en la Tate Gallery en 1966. La obra de Hamilton se enmarca en un aspecto del Arte Pop tendente a lo conceptual, más hermético y riguroso que las famosas obras del pop americano, sobre todo las de Andy Warhol, mucho más visuales y fáciles de consumir.

En esta obra histórica encontramos una yuxtaposición de imágenes en una composición que nos llama la atención por su falta de aplicación de las leyes de la perspectiva y la escala. Hamilton crea un interior “moderno” en el que un hombre musculoso sostiene en su mano derecha, en lugar de una mancuerna, una enorme piruleta envuelta en celofán rojo con el nombre de la marca resaltado en amarillo: “Tootsie POP”.

Debido a que la piruleta, como una especie de varita mágica, parece otorgar un nombre a todo el movimiento, el collage de Hamilton se describe a menudo como la primera obra de Arte Pop que aparece por primera vez en la historia del arte. Tendrían que pasar dos años más hasta que el término Arte Pop fuera empleado por el crítico Lawrence Alloway en un artículo titulado “The Arts and the Mass Media”. 

La pieza es un collage de pequeñas dimensiones en el que Hamilton expresa su interés (y el de su generación) por todo tipo de objetos y por todo tipo de actividades humanas, incluidas las más mundanas que, en el universo de estos artistas, podían ser dignas de su atención y de su juicio estético. Una mujer pasa el aspirador por una escalera, hay un magnetófono en el suelo que hoy resulta completamente obsoleto pero que en la época era lo último, por supuesto un televisor en cuya pantalla una mujer habla por teléfono y una lata de jamón cocido, la mujer del sofá parece estar usando un moderno secador de pelo y en la lámpara aparece la palabra Ford en un logotipo, aludiendo al igual que la escena del aspirador, al mundo de la publicidad. Decorando la pared, una tira de cómic, un retrato burgués y, a través de la ventana, se ven las luces de un teatro, implicando que la escena se desarrolla en el apartamento de una pareja moderna que vive en una gran ciudad

Hamilton diseñó el collage como una parodia de la publicidad estadounidense en la trepidante cultura de consumo de la posguerra de los años 50. Todos los elementos del collage fueron sacados de revistas americanas. De hecho, el título se lo proporcionó la primera línea del texto de un anuncio que apareció en la portada interior de una revista estadounidense llamada “Ladies ‘Home Journal” en 1955. El collage expresa una fascinación por la fantasía del estilo de vida americano perfecto que el Arte Pop se encargaría de encumbrar.

La intención de Richard Hamilton, en sus propias palabras, “era arrojar en el estrecho espacio de una sala de estar alguna representación de todos los objetos e ideas que se agolpaban en nuestra conciencia de posguerra: mi ‘hogar’ habría estado incompleto sin su fuerza vital simbólica, por lo que Adán y Eva adoptaron una pose junto con el resto de los artilugios. El collage tuvo un papel didáctico en el contexto de una exposición didáctica, This is Tomorrow, en el sentido de que intentaba resumir las diversas influencias que comenzaban a moldear la Gran Bretaña de la posguerra.

Parecía que estábamos tomando un rumbo hacia un futuro prometedor y nuestro mundo cambiante, de alta tecnología, fue acogido con una confianza deslumbrante; una oleada de optimismo que nos llevó a la década de 1960. Aunque claramente es un «interior», hay complicaciones que nos hacen dudar de la categorización. El techo de la habitación es una vista de la Tierra de la era espacial. La alfombra es una vista lejana de personas en una playa. Es una alegoría más que una representación de una habitación”.

Sencillamente, ¿qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos? es una obra de arte pop muy notable porque, a pesar de su fecha temprana, parece una especie de compendio de las principales características y motivos del arte pop, con chicas pin-up, anuncios, comics, collage, apropiación de imágenes, etc. Pasarían varios años antes de que el fenómeno del Arte Pop fuera reconocido como un movimiento internacional y diera el salto a los Estados Unidos.

ᐅ A Bigger Splash
 🔹 David Hockney 🔹 Acrílico sobre lienzo, 242.5×243.9cm 🔹 1967

David Hockney A Bigger Splash Arte Pop
A Bigger Splash (Tate, Londres)

Esta exquisita obra de David Hockney es considerada un ejemplo del Arte Pop británico de los sesenta pero también un ejemplo de la nueva figuración, que libre de cualquier manifiesto o programa, se desarrolló en la obra de Hockney, R.B. Kitaj y otros. En aquellos años el lenguaje de la pintura se debatía entre la abstracción y la figuración y Hockney decidió muy pronto “pintar lo que me guste, cuando me guste y donde me plazca, con alguna incursión nostálgica…estoy seguro de que mis fuentes son clásicas o incluso temas épicos”.

Pintada en 1967, A Bigger Splash no ha perdido nada de su frescura y sigue atrayéndonos poderosamente a ese mundo soleado, de piscinas y palmeras de la ciudad de Los Ángeles. La pintura representa una piscina bañada por el sol, un edificio modernista rosa y una silla vacía. Las siluetas de los edificios vecinos que se reflejan en el gran ventanal del edificio, sugieren un entorno urbano y las dos palmeras delgadas y el borde de césped sugieren un jardín. La escena no representa a ningún personaje pero lo intuimos pues acaba de zambullirse a la piscina dejando una gran salpicadura.

Los medios y los motivos empleados son casi minimalistas, la salpicadura una alusión a la abstracción y al pasado expresionismo abstracto, pero la composición relata un evento y se centra en un instante concreto de la narrativa, tal y como es propio del arte pop. El trampolín en primer plano invita al espectador a adentrarse con el bañista en la refrescante agua. Los azules del agua y del cielo nos transportan a un mundo de placer y laxitud y los rosas, beige y marrones contribuyen al silencio que preside la escena, solo interrumpido por el ruido del agua tras la zambullida. Es un lugar donde queremos estar, sin duda. En esta obra de Arte Pop, el arte y la vida se encuentran y encajan uno en la otra a la perfección.

El mismo Hockney afirmó que el verdadero protagonista del cuadro es la salpicadura que copió de una fotografía. Le llevó varias semanas reproducirla y utilizó varios pinceles y transparencias que se ven cuando acercamos la mirada, y este detalle es importante porque al principio podríamos pensar que es una salpicadura de pintura y sin embargo es una meticulosa copia de una salpicadura de agua real. El efecto sin embargo es una abstracción de un evento real. ¡Es brillante!

“Cuando fotografías una salpicadura, congelas un momento y lo conviertes en otra cosa. Me doy cuenta de que una salpicadura nunca podría verse de esta manera en la vida real, sucede demasiado rápido. Y esto me divirtió, así que lo pinté de una manera muy, muy lenta”.

Hockney visitó California por primera vez en 1963 e inmediatamente se sintió atraído por su sol y su estilo de vida relajado, muy diferente al de Londres. Tanto le gustó California que la describió como su «tierra prometida»; se mudó en 1964 e instaló su casa y estudio en Santa Mónica. Pasó allí casi cuarenta años. Los famosos cuadros de piscinas que pintó allí encuentran un perfecto equilibrio entre la ficción o el sueño y la realidad; un equilibrio que todo el que se instala en Los Angeles encuentra difícil de conseguir ciertamente y que Hockney imprimió en sus cuadros de manera magistral.

ᐅ Campbell's Soup Cans
 🔹 Andy Warhol 🔹 Pintura sintética sobre 32 lienzos de 50.8×40.6cm cada uno 🔹 1962

Campbell’s Soup Cans Andy Warhol Arte Pop
Campbell’s Soup Cans (MoMa, New York)

Una de las características principales del Arte Pop es que las imágenes que el artista elige nunca nos llegan de primera mano. El artista pop no recrea la realidad, sino que elige objetos, imágenes, fotografías de personas famosas o no, que ya han sido procesados por los medios de comunicación de masas. 

Warhol quería eliminar completamente del arte la idea de la obra hecha a mano, justo lo que había caracterizado de forma indeleble al anterior expresionismo abstracto. Muchas de sus obras son imágenes apropiadas de los medios de comunicación de masas o de la publicidad, transferidas al lienzo por medio de sistemas fotomecánicos, serigráficos o clichés, repetidas en forma de seriación hasta el infinito, exactamente igual que funciona el mundo de la sociedad de consumo en el que los productos y los objetos son seriados, producidos en masa y consumibles en un instante. Así es la obra de Warhol, una vez vista ya no hay más que buscar en ella, lo que ves es lo que hay. Transmite el mensaje de manera instantánea, como instantánea es la sopa Campbell. 

En esta obra, Warhol reproduce las latas de sopa en sus 32 diferentes sabores, cada lienzo corresponde a un sabor. Visualmente la pieza funciona como una repetición, aunque sean diferentes. Sin embargo, en esta obra de Arte Pop de Warhol no todo está hecho por medios mecánicos: los lienzos están pintados a mano y el patrón de flor de lis que rodea el borde inferior de cada lata está estampado a mano. La sopa enlatada de la marca Campbell era masivamente consumida en los Estados Unidos, por tanto la imagen de la lata estaba bien fijada en la mente del consumidor-espectador siendo un objeto ideal para ser elegido por el artista pop. El mismo Warhol consumía una lata diaria, durante más de veinte años.

Cuando exhibió por primera vez Campbell’s Soup Cans en 1962, los lienzos se presentaron juntos en estanterías, como si fueran latas de sopa reales en un supermercado. La obra fue exhibida por primera vez por el marchante de arte Irving Blum, en su galería Ferus de Los Ángeles. En esta primera exposición, a pesar de la indiferencia del público, Campbell’s Soup Cans causó una convulsión en el mundo del arte.

El debate sobre cómo el arte podría preocuparse por algo tan cotidiano y parecer imitar la producción comercial en masa, aseguró que las pinturas recibieran mucha atención. Un marchante de arte en una galería cercana incluso vendió latas de sopa reales a modo de crítica, anunciándolas como obras más baratas que las de Warhol. El debate sobre la apropiación de los artistas de objetos e imágenes no ha concluído aún y en nuestros días, un artista como Jeff Koons (pop contemporáneo) incluso se enfrenta a denuncias por su uso de imágenes sin la pertinente autorización. 

Campbell’s Soup Cans es una de las últimas piezas de arte pop en las que Warhol intervendría con sus manos. A partir de 1962 adoptó la técnica de la serigrafía que se convertiría en su sello de marca, técnica con la que creó los famosos retratos de Marilyn y Elvis, entre otros muchos. Recordemos que bautizó su taller como The Factory para equiparar su producción artística a la producción industrial. «No creo que el arte deba ser solo para unos pocos elegidos», afirmó, «creo que debería ser para la masa del pueblo estadounidense».

Aunque esta famosa obra de Arte Pop fue ideada como un conjunto unitario, Ferus vendió algunas sueltas, una de ellas al actor Dennis Hopper; pero enseguida se dió cuenta de que venderlas sueltas no tenía consistencia; recompró las pocas que había vendido y decidió pagarle a Warhol mil dólares durante diez meses para quedarse con la pieza. Después de la muerte de Warhol en 1987, Blum vendió el set al Museo de Arte Moderno de Nueva York por más de 15 millones de dólares.

Warhol alcanzó de largo la fama que tanto deseó en su juventud y se convirtió en un icono de la cultura popular, casi siendo él mismo una pieza más de arte pop. Desde su muerte, sus obras no han parado de alcanzar récords de subasta. En 2013 Silver Car Crash alcanzó los 105 millones en una subasta de Sotheby’s en Nueva York.

ᐅ Drowning Girl
 🔹 Roy Lichtenstein 🔹 Óleo acrílico sobre lienzo, 171.6×169.5cm 🔹 1963

Drowning Girl Roy Lichtenstein Arte Pop
Drowning Girl ( MoMa, New York)

Roy Lichtenstein alcanzó la fama y el interés del gran galerista neoyorquino Leo Castelli con obras sacadas de tiras cómicas y de personajes de Walt Disney. Contemporáneo de Andy Warhol, ambos dieron forma al Arte Pop americano siguiendo procedimientos aparentemente mecánicos en el caso de Lichtenstein, o directamente mecánicos en el caso de Warhol, con los que querían desinteresarse emocionalmente de la obra y crear una imagen más en consonancia con la nueva sociedad de consumo en que vivieron. 

Lichtenstein quería que sus imágenes parecieran haber sido hechas por máquinas pero en el fondo de su corazón era un pintor y un extraordinario dibujante, de modo que, aunque sus obras parecen reproducciones, en realidad están dibujadas y pintadas a mano, y a diferencia de Warhol, él nunca usó fotografías como la base de sus creaciones. Lichtenstein copiaba la imagen original a mano, alterando la composición según sus intereses y luego trazaba este boceto alterado en el lienzo, con la ayuda de un proyector para agrandar la escala. 

Drowning Girl está sacada de la portada de un cómic titulado Run for Love, publicado por DC Comics en 1962. Lichtenstein recortó y trajo al primer plano la imagen de la chica rodeada por una ola que está a punto de tragarla; amplió la escala y también cambió el contenido del texto, conservando el tono melodramático propio de estas historias.

La escala de la obra es monumental, la cabeza de la chica tiene la misma altura que tendría una mujer, a diferencia del original que es del tamaño de una portada de revista. Introdujo los “Benday Dots” que le dieron a sus obras su estilo característico y que levantaron la envidia de Any Warhol a quien le hubiera encantado haber sido su descubridor. Tampoco escapó a la atención de Warhol el hecho de que Lichtenstein vendió todas las obras que expuso en Leo Castelli en 1962 antes de la inauguración: ¡el sueño de todo artista!

La apropiación de imágenes creadas por artistas del cómic se hizo sin darles el crédito que merecían y por supuesto sin darles ninguna compensación económica lo cual creó una cierta controversia entre los creadores de cómics y sus fans, pero en los años sesenta las fronteras entre apropiación, copia, o infracción del copyright no estaban muy bien definidas y el Arte Pop se benefició de la cultura popular sin compensar a sus creadores como tendrían que haberlo hecho hoy en día.

Los “Benday Dots” son los puntos que vemos en las reproducciones mecánicas de imágenes cuando las ampliamos. Se utilizaron en periódicos para dar la ilusión de sombreado en las ilustraciones. Lichtenstein los usó para crear en el espectador la ilusión de que la imagen está reproducida mecánicamente. Los “Benday Dots” están hechos a mano en todas sus obras, siendo este un trabajo muy repetitivo que en ocasiones realizaron sus asistentes. Confieren a todas sus obras ese aspecto impersonal que tanto buscaron los creadores del Arte Pop.

Hay en estas obras melodramáticas de Lichtenstein una interesante dicotomía entre la tristeza del tema, cargado emocionalmente, y la frialdad de la técnica empleada; el resultado es una extrañeza que asalta al espectador, como si el sentimiento no fuera en realidad auténtico, dejándonos libres y listos para consumir la siguiente obra, una actitud típica del Arte Pop.

Warhol dijo que las emociones se habían olvidado en los sesenta y que ser “cool” significaba controlar al máximo los medios expresivos, dejar las emociones en casa. Lichtenstein no cayó nunca en el sentimentalismo pero quiso dar al espectador un indicio de que esas emociones son importantes y no conviene olvidarlas.

El éxito comercial acompañó a Lichtenstein a partir de los cuarenta años de edad hasta su muerte en 1997. Según los informes, el precio más alto pagado por un Lichtenstein fueron 165 millones de dólares por la compra privada de Masterpiece. En 2015, en Christie’s se vendió Nurse en una sola puja por 95,4 millones de dólares.

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Esta entrada tiene 3 comentarios

  1. Javier

    Mar Estrada emplea el bisturi en la percepción de cada obra con precisión, alentándonos en cada paso de su cirugía para seguirla
    y descubrir datos interesantes que contextualizan el sentido de su análisis. Síntesis y precisión en el lenguaje. Excelente.

    1. Mar Estrada

      Gracias Javier! Me encanta tu comentario

    2. Naer

      Mil gracias por tu comentario Javier 🙂

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