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Cuadros de Picasso

Los 4 cuadros de Picasso que cambiaron para siempre el curso de la historia del arte

Las Señoritas de Avignon
 🔹 Óleo sobre lienzo, 243.9×233.7cm 🔹 1907

cuadros de picasso - las señoritas de avignon
Les Demoiselles d’Avignon – MoMA (NYC)

Este cuadro de Picasso es la primera acción de verdadera ruptura en la historia del arte moderno. En términos de lenguaje puramente pictórico, Picasso abandona definitivamente el uso de la perspectiva clásica y funde las figuras con el fondo, que roto como un cristal, se encaja con violencia entre las figuras. El espacio se deforma y se descompone.

Las posibilidades que se abren para el lenguaje pictórico con este cuadro son infinitas, tal y como el desarrollo del arte demostró en las siguientes décadas. Con Las Señoritas de Avignon (Óleo sobre lienzo de 243.9x 233.7 cm)  Picasso iguala el arte a la vida: ambos son aparentemente impredecibles, disarmónicos, incoherentes. A partir de esta obra, la pintura dejó de representar la realidad visible y pasó a ser parte de la propia experiencia vital, del artista y de sus espectadores. 

Las Señoritas de Avignon inicia el cubismo y es el cuadro más importante de la historia de la pintura moderna. Le empeñó nueve meses de trabajo y cientos de estudios preliminares y bocetos. Fue expuesto por primera vez en 1916 y causó un verdadero escándalo, juzgandolo el público de inmoral (las cinco figuras son prostitutas de un burdel de Barcelona). Fue entonces cuando el crítico Andre Salmon, en un intento de minimizar el escándalo, le cambió el nombre y El Burdel de la calle Avignó que es como lo había titulado Picasso, pasó a ser Las Señoritas de Avignon. 

Picasso decidió mantener este cuadro fuera de la vista hasta 1924 cuando se vendió por 25.000 francos a Jacques Doucet quien le prometió que lo donaría al Louvre en su testamento. Finalmente acabó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York que lo adquirió en 1937. 

A partir de Las Señoritas de Avignon se transformó completamente el modo de ver la realidad por parte de los artistas y con ello se transformó para siempre el lenguaje de la pintura. Los cuadros de Picasso fechados entre 1907 y 1916 marcan la época cubista y son atesorados por coleccionistas y museos de todo el mundo como los cuadros que marcaron el comienzo de una nueva era en pintura.

Ma Jolie
 🔹 Óleo sobre lienzo, 100x64cm 🔹 1911-1912

cuadros de picasso - ma jolie
Ma Jolie – MoMA (NYC)

Un artista es más importante en la medida en que su obra aporta algo nuevo al mundo, un lenguaje que no existía antes, un modo de ver la realidad que nadie antes había abordado, una técnica insólita. Cuando lo que se crea es un lenguaje completamente nuevo, como ocurre con los cuadros de Picasso de su época cubista, entonces estamos ante una auténtica invención que es adoptada por otros artistas, poniéndose en marcha el proceso de transformación de los propios cimientos del arte. 

Ma Jolie (Óleo sobre lienzo de 100×64 cm) es uno de los cuadros de Picasso más famosos de la época del cubismo analítico (1908-1914), en la cual, junto con Georges Braque, Picasso quiso hacer del cuadro una forma-objeto, que tuviera vida propia, que fuera más allá de la función representativa.

Ante el cuadro cubista-analítico el espectador se ha de preguntar no qué significa, sino cómo funciona. Cuando el cuadro se observa de cerca, podemos ver claramente una mujer sosteniendo una guitarra.

Pero Picasso introduce en esta aparente frialdad de procedimiento, el amor que siente por su amada de esa época, Marcella Humbert a quien llamaba “Ma Jolie” (Mi preciosa) y que murió trágicamente en 1915 quedando Picasso destrozado. Es precisamente esta introducción de un asunto romántico lo que separa a Picasso de los otros cubistas, que perseguían la elaboración del nuevo lenguaje per se.

Para Picasso arte y vida siempre iban unidos y eso es lo que hace que sus cuadros hayan llegado al alma del espectador de un modo tan directo e inolvidable. El público recompensó a Picasso con su devoción y admiración hasta el día de su muerte en 1973.

Guernica
 🔹 Pintura industrial sobre tela, 3.45×7.82m 🔹 1937

cuadros de picasso - Guernica
Guernica – Museo Reina Sofía (Madrid)

El cubismo que inventaron Braque y Picasso evolucionó en manos de otros muchos artistas y desembocó en la abstracción pura de Mondrian. Picasso sin embargo nunca abandonó el motivo, el tema dentro del cuadro, y así revolucionó también la forma figurativa de arte, apartándose tanto del realismo como de la abstracción. A partir de Picasso se habla en historia de la pintura de “figuración” para distinguir esa forma de arte del realismo.

Guernica (pintura industrial sobre tela, 3,45 metros x 7,82 metros) es una obra cumbre de toda la historia de la pintura, por su significado, por su forma, por su lenguaje y por su historia. Este cuadro monumental es la primera intervención claramente política de la historia del arte moderno. 

Picasso había estado trabajando para la muestra a tener lugar en el pabellón español de la exposición Universal de París de 1937 en una composición alegórica, cuando saltó la noticia del bombardeo alemán sobre la pequeña ciudad de Guernica. Picasso decide entonces crear una obra diferente que mostrará al mundo el horror de la guerra en general, de la guerra civil española en particular y del apocalipsis al que la locura humana nos puede arrastrar. Tardó treinta y cinco días en completar la obra. Para muchos críticos, el cuadro en sí es un hecho histórico: a partir del Guernica los intelectuales se comprometen con la lucha política y la defensa de la democracia, como nunca antes lo habían hecho. 

Lo primero que salta a la vista en la observación del Guernica es la ausencia de color: solo hay blancos, negros y grises. Tampoco hay relieve, aparentemente todo está volcado al primer plano. Eliminando el color y el relieve Picasso ha eliminado de la imagen toda sensación de naturaleza, de vida. “La visión del Guernica es la de la muerte en acción: el pintor no asiste al hecho con terror y piedad,…sino que está dentro del hecho; no conmemora ni compadece a las víctimas sino que está entre ellas.” (Giulio Carlo Argan). La elección del blanco y negro tambén dota a la obra de una inmediatez característica de la fotografía de prensa, según el biógrafo de Picasso, John Richardson. 

Con esta obra monumental Picasso pone de manifiesto la importancia del papel del artista en la sociedad, tomando partido y exponiendo las contradicciones y peligros que la acosan. El concepto del “arte comprometido” tiene aquí uno de sus momentos culminantes, pocas veces igualado. “En el panel en el que estoy trabajando, que llamaré Guernica, y en todas mis obras de arte recientes, expreso claramente mi aborrecimiento por la casta militar que ha hundido a España en un océano de dolor y muerte.”

El Guernica atrajo poca atención en la Exposición Universal de París, cuando fue expuesto por primera vez. En 1938 la obra fue expuesta en varias ciudades de los países nórdicos y en Londres. En 1939 el Museo de Arte de San Francisco expuso el Guernica del 27 de agosto al 19 de septiembre de 1939. Al año siguiente, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) organizó la exposición titulada “Picasso: 40 años de su arte”. La exposición, que fue organizada por el director del MoMA, Alfred H. Barr, en colaboración con el Art Institute of Chicago, contenía 344 obras, entre ellas Guernica y sus estudios preparatorios. Con esta exposición, el Guernica sería visto como la obra culminante del artista que había transformado el arte del siglo XX. El éxito fue apabullante. Picasso, su vida y su obra, se convierten a partir de ese momento en tema de interés constante por parte de la prensa mundial y su estatus de icono de la cultura se cimenta y no hará más que crecer hasta su muerte en 1973.

A petición de Picasso, la custodia del Guernica fue confiada al MoMA de Nueva York hasta que España estableciera una república democrática. Después de la muerte de Franco, España se transformó en una monarquía constitucional democrática, ratificada por una nueva constitución en 1978. Sin embargo, el MoMA se mostró reacio a ceder uno de sus mayores tesoros y argumentó que una monarquía no representaba la república que había sido estipulada en el testamento de Picasso. Bajo una gran presión de varios observadores, el MoMA finalmente cedió el cuadro a España en 1981, instalándose primero en el Casón del Buen Retiro para ser finalmente trasladado a su emplazamiento definitivo en el Museo Reina Sofía en 1992.

El Sueño, Retrato de María Teresa Walter
 🔹 Óleo sobre lienzo, 130x97cm 🔹 1932

cuadros de picasso - el sueño le rêve
El Sueño «Le Rêve» (Colección Privada de Steven A. Cohen)

1932 fue un año crucial en la carrera de Picasso. Profesionalmente, tuvo su primera retrospectiva en Zúrich y se publicó el primer volumen de su catálogo razonado. También produjo algunas de sus mejores pinturas. El Sueño (Óleo sobre lienzo, 130×97 cm) es una de ellas. 

Picasso retrata a su amante Marie-Thérèse Walter durmiendo; está muy enamorado de ella y lo plasma en el retrato. Quiere que su amante sueñe con sexo, observemos el falo encima de su cabeza y la vulva que forman sus manos entrelazadas. “Desplazar. Poner los ojos en las piernas, el sexo en la cara. Contradecir. Hacer un ojo de frente y otro de perfil…Yo pinto a golpe de impulsos.” (Picasso)

Es una obra muy cargada de emoción y erotismo, dos elementos claves en la vida y en la obra de Picasso. La simplicidad de las líneas y los colores planos ayudan al aspecto bello y decorativo del cuadro y lo acercan a la obra de su admirado rival, Matisse. Las curvas envolventes que definen los contornos de la modelo son pura voluptuosidad. Picasso revive con el amor y su obra se refresca. Encontramos en esta obra al Picasso más tierno, rejuvenecido por la relación con su joven y alegre amante.

Este exquisito retrato, realizado en la época en que los surrealistas estaban utilizando la figuración para sacar a la luz los entresijos de la mente subconsciente, viene a cumplir con esos objetivos pero sin hacer ningún manifiesto y exhibiendo una simplicidad de recursos y una naturalidad a la que sólo Matisse pudo acercarse. De hecho, tal era la admiración mutua que se tenían que Matisse le dijo a Picasso en una ocasión: “cuando uno de nosotros muera, habrá cosas de las que el otro no podrá hablar con ninguna otra persona.”

El Sueño fue adquirido por 7,000 dólares en 1941 por los coleccionistas neoyorquinos Victor y Sally Ganz. Tras una serie de vicisitudes, el cuadro fue adquirido por el multimillonario americano Steven A. Cohen que pagó 155 millones de dólares en 2013, siendo el cuadro más caro del mundo hasta que, en 2015, un De Kooning alcanzó los 300 millones de dólares.

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