cuadros de van gogh

Cuadros de Van Gogh

4 cuadros de Van Gogh que te harán llorar

El Café de Noche
 🔹 Óleo sobre lienzo, 70x89cm 🔹 1888

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El Cafe de Noche (Yale University Art Gallery)

Calificado por él mismo como “uno de los cuadros más feos que he pintado”, el Café de Noche (Óleo sobre lienzo, 70×89 cm) es también uno de los cuadros más tristes de su periodo de Arles, pintado en un momento de sufrimiento psicológico creciente.  

Van Gogh había alquilado una habitación en el Café de la Gare donde pasó el verano de 1888. “Es lo que aquí llaman un café de noche (son bastante comunes aquí) y están abiertos toda la noche. Aquí se refugian los merodeadores cuando no tienen dinero para pagarse una habitación o están demasiado bebidos para ser admitidos”. En septiembre comunicó a su hermano Theo, que durante tres noches seguidas había estado pintando el interior del café, que había iluminado con luces de gas. En otra carta explica a Theo que ha querido expresar las más terribles pasiones humanas por medio de la combinación de los rojos con los verdes: “es un lugar donde uno puede buscarse la ruina, volverse loco o cometer crímenes”.

El tema de este cuadro de Van Gogh es sin duda la locura y la desesperación, la soledad y la pobreza, todo ello inducido en gran parte por la bebida, “una atmósfera como la de la caldera del diablo…como los poderes de las tinieblas en una taberna”. Van Gogh quería pintar un burdel, pero no tenía suficiente dinero para permitírselo así que pintó este café semivacío, donde los pocos clientes rumian su soledad encorvados sobre la mesa y al fondo una pareja, sin duda una prostituta y su cliente, refuerzan la sensación de aislamiento y soledad que culmina en la figura de blanco, supuestamente el dueño del local, que con los brazos caídos, parece mirar al espectador, o al propio Van Gogh.

Todo en el cuadro está desencajado, amontonado, desmañado como a punto de venirse abajo, como si la armonía y la belleza estuvieran aquí vetadas. El tono general, amarillento verdoso, en contraste con el rojo, induce un estado de ánimo en el espectador de apatía y confusión pues las líneas de fuga hacia el fondo no llevan a una culminación del motivo sino a una abertura que no podemos calificar de puerta ni de cortina y donde el amarillo de nuevo recibe al visitante con otra carga de perturbación y trastrono emocional. El espectador tiene realmente que hacer un esfuerzo visual para encajar el golpe estético y emocional que el cuadro produce. 

El cuadro debió ser importante para Van Gogh ya que, a pesar de considerarlo uno de sus trabajos más deplorables, lo firmó y le dió título (cosa que no solía hacer) y planteó el deseo de hacer repeticiones del cuadro para rehacer la figura del centro.

«Siento el deseo de renovarme», escribió Van Gogh en 1890, «y de intentar disculparme por el hecho de que mis cuadros son, después de todo, casi un grito de angustia, aunque en el girasol rústico pueden simbolizar la gratitud”. 

La Noche Estrellada
 🔹 Óleo sobre lienzo, 73,7x92cm 🔹 1889

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La Noche Estrellada (MoMA, NYC)

Uno de los cuadros de Van Gogh más celebrados por el público, por su belleza, su misterio y su técnica, La Noche Estrellada (Óleo sobre lienzo, 73,7×92 cm) nos atrae por ser una exquisita sublimación de la realidad, sin dejarse, sin embargo, ni un detalle de la misma al descuido. 

A diferencia del Café de Noche, este cuadro de Van Gogh es alegre, por la elección del motivo (un cielo estrellado y un apacible pueblecito) y por el propio deseo del artista de crear una visión sugerente de una realidad mejorada por la acción del artista: “Podemos conseguir crear una naturaleza más alegre y agradable de la que podemos adivinar con una simple visión de la realidad”, escribió Van Gogh a Emile Bernard. De hecho, la escena que vemos en La Noche Estrellada, no está tomada de la realidad como ocurre en otras muchas obras suyas, sino que es una pura invención (ni el pueblo, ni el ciprés eran visibles desde su habitación).

La Noche Estrellada fue pintada en el hospital Saint-Paul de Saint-Remy, donde Van Gogh estuvo ingresado de forma voluntaria para tratar su creciente trastorno psíquico desde mayo de 1889 a mayo de 1890. Aunque en este punto de su vida Van Gogh estaba desilusionado por la religión, parece haber intensificado su visión espiritual de la existencia y su fe en la vida en el más allá.

Expresó esta ambivalencia en una carta a Theo después de haber pintado Starry Night Over the Rhône, confesando una «tremenda necesidad de, diré la palabra, de religión, así que salgo por la noche a pintar las estrellas”. Van Gogh habló de La Noche Estrellada como «una imagen infinitamente expresiva que simboliza la absorción final del artista por el cosmos» y que «da una sensación inolvidable de estar en el umbral de la eternidad«. Añadamos a esta reveladora afirmación la presencia ineludible del ciprés, árbol simbólico de la muerte en las culturas del Mediterráneo.

La composición contiene tres elementos: el ciprés en primer plano, el pueblecito al pie de las montañas y el cielo nocturno que ocupa la mayor parte del cuadro. El ciprés en primer plano es el único elemento de la composición que asalta al espectador con su oscuridad y escala; es el elemento que dramatiza la composición (es la propia muerte y es la unión entre el cielo y la tierra), por otro lado, apacible en su contraste entre la quietud y placidez del pueblo y el movimiento de los astros en el cielo. Se ha especulado acerca de la astronomía del cuadro sin haberse podido llegar a una conclusión definitiva sobre si las estrellas pintadas por Van Gogh están en la misma posición que tuvieron los astros de los cielos de Junio de 1889. 

Cada pincelada es un gesto con el que aborda el motivo con la intención no de representarlo sino de apropiarse de su esencia espiritual. “Lo que Van Gogh quiere es una pintura auténtica hasta el absurdo, viva hasta el paroxismo, el delirio y la muerte”. (Giulio Carlo Argan).

El cuadro adquiere una vida propia, la materia con la que está hecho se convulsiona, se retuerce, en un movimiento eterno de creación y destrucción, como ocurre en el propio cosmos. Su visión va más allá de las apariencias y su forma de representar dicha visión va más allá de la imagen para adentrarse en la expresión personal del evento, volcando sobre el espectador su propia alma. Este cuadro de Van Gogh es una de las cumbres del expresionismo, muchos años antes de que dicho movimiento artístico viera la luz.

Para acompañar este cuadro de Van Gogh, te recomiendo que escuches la canción «Vincent (Starry Starry Night)» de Don McLean. Compuesta y dedicada para Vincent Van Gogh. Una delicia llena de amor y delicadeza, de un artista a otro, de alma a alma.

Ramas con Flores de Almendro
 🔹 Óleo sobre lienzo, 73,5x92cm 🔹 1890

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Ramas con Flores de Almendro (Rijkmuseum Vincent van Gogh, Amsterdam)

Van Gogh pintó este bellísimo óleo para celebrar el nacimiento de su sobrino al que habían bautizado Vincent. «Le pondremos tu nombre y pido el deseo de que sea tan decidido y valiente como tú», le escribió Theo. El cuadro fue concebido para ser instalado sobre la cama del niño. Estaba muy satisfecho con el resultado y animado por el simbolismo de las flores del almendro como el surgimiento de una nueva vida. Theo calificó el cuadro de “muy, muy bello” y toda la familia se sintió unida bajo el anhelo de Van Gogh de que su sobrino tuviera lo que él nunca tuvo: una vida buena y agradable. 

Ramas con Flores de Almendro (Óleo sobre lienzo, 73,5×92 cm) está pintado con una atención al detalle y un esmero extraordinarios. Cada flor, cada capullo, han sido objeto del amor y cuidado del artista, llevado por un deseo de crear algo muy especial para su familia. El azul del fondo es uno de los más bellos que jamás se hayan pintado. Van Gogh vuelca aquí todo su amor y agradecimiento por Theo y consigue una de las pinturas más tiernas y emotivas de todo el arte moderno. La factura elaborada pone de manifiesto su indudable maestría, a pesar de seguir sin ser reconocida por sus contemporáneos. 

En este cuadro de Van Gogh se deja ver la influencia de las estampas japonesas que Vincent y Theo gustaban de coleccionar y que estuvieron muy de moda en aquella época. La manera de aislar el motivo, despojando la composición de todo elemento que no fuera esencial y el fondo continuo atestiguan esta fructífera influencia. 

En mayo de 1890, pudo dejar el sanatorio Saint Paul en Saint-Remy y visitar a su familia, llevando consigo el regalo para su sobrino. La felicidad parecía tocar a su puerta pero desafortunadamente, su salud mental continuó deteriorándose y moriría menos de tres meses después, en el verano de 1890.

Campo de Trigo con Cuervos
 🔹 Óleo sobre lienzo, 50,2x103cm 🔹 1890

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(Rijkmuseum Vincent van Gogh, Amsterdam)

Pintado un mes antes de su suicidio, el Campo de trigo con Cuervos (Óleo sobre lienzo, 50,2×103 cm) es uno de los cuadros de Van Gogh más tristes, la representación final de todo el drama de su vida. Van Gogh se entrega a la naturaleza que tanto le dió y habla de “una serenidad casi demasiado grande, el estado de ánimo adecuado para pintar esto”. ¿Se refería a la serenidad del creyente frente a la proximidad del momento de la muerte? Los cuervos son utilizados por Van Gogh para simbolizar el proceso de la muerte y la resurrección

El profundo azul del cielo no es ni nocturno ni diurno, el camino central no lleva a ninguna parte y el vuelo de los cuervos es errático. Todo está abierto, susceptible de cambio, como si el artista tuviera la certeza de que nada es estable, ni cierto, excepto la muerte. Escribió acerca de estos sus últimos cuadros, que se había esforzado en expresar tristeza, y luego agregó «soledad extrema» (de la solitude extrême). Sí, la soledad que le persiguió toda su corta vida está aquí presente y como espectadores no podemos evitar entristecernos ante uno de los últimos intentos del gran artista por encontrar un camino que le llevara al éxito que tanto le eludió en vida. 

Sabemos por sus cartas que se sentía hundido por ser una carga para su hermano Theo que atravesaba también por algunas dificultades económicas, aunque nunca su hermano y su cuñada pensaran desatenderle de ningún modo. La preocupación por el futuro y su inestabilidad emocional pudieron más que su amor por el arte y su agradecimiento a su querido hermano y el 27 de julio de 1890, a los 37 años, Van Gogh se pegó un tiro en el pecho.

No hubo testigos y falleció treinta horas después, durante las cuales su hermano Theo tuvo tiempo de acudir a su lado y lo encontró en buen espíritu, pero a las pocas horas la infección producida por la bala que no pudo ser extirpada le produjo la muerte en la madrugada del 29 de julio. 

Según Theo, las últimas palabras de Vincent fueron: «La tristeza durará para siempre».

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